¡HOLA DE NUEVO!

Hace algunos días vimos en clase el concepto de canon artístico como introducción al tema de la representación del cuerpo humano y, al ver distintos modelos de cánones artísticos, me surgió la curiosidad de conocer la evolución del canon de belleza femenino. 

Creo que la evolución del canon de belleza o del canon artístico podría ser un contenido muy interesante para trabajar en el aula con los niños de primaria por dos razones: por un lado, para intentar que cada alumno encuentre su propio estilo para dibujar la figura humana y no considere que hay una única forma correcta y, por otro lado, para trabajar la autoestima de los niños enseñándoles que los cánones y estereotipos de belleza cambian continuamente y que esas “modas” no tiene que afectarles. 

Por ello, he recopilado información sobre la evolución del canon de belleza femenino a lo largo de la historia. Los muestro a continuación en orden cronológico:

• Prehistoria: caderas anchas y senos grandes porque se asociaban a la fertilidad y a la capacidad de tener hijos sanos.

  Venus de Willendorf.

• Canon egipcio: maquillaje y joyas.

  Canon de belleza egipcio.

• Canon griego: cuerpos con cierto volumen, simetría perfecta y armonía de proporciones. 

  Canon de belleza griego.

• Renacimiento: cuerpos redondeados, manos y pies finos, pechos pequeños, cabello rubio y largo, labios rojos, ojos grandes y piel blanca.

  El nacimiento de Venus, Bottceli.

• Barroco: cuerpos más rellenos, caderas anchas y cintura estrecha, pechos grandes, piel blanca, pelucas y maquillaje. 

  Las tres gracias, Rubbens.

• Romanticismo: cuello largos, escotes prominentes, mientras que la cintura y la cadera queda en segundo plano.
• Siglo XIX: cintura muy estrecha, pechos y caderas realzadas, y uso de corsés. 
• Principios siglo XX: pechos altos, caderas anchas y nalgas grandes. El canon de belleza lo marca el dibujante Charles Gibson. 

  Las chicas Gibson, Charles Gibson.

• Años 30-40: caderas anchas, físicos impactantes de Hollywood. Por ejemplo la actriz Elizabeth Taylor. 

  Elizabeth Taylor.

• Años 50-60: curvas marcadas, piernas largas, pelo rubio, pero también cuerpos pequeños y delgados. Por ejemplo la actriz Sara Montiel.

  Sara Montiel.

• Años 70-80: cuerpos delgados y estilizados, pechos grandes, comienzan a usarse los bikinis. Por ejemplo la actriz Ursula Andress. 

  Ursula Andress.

• Años 90: cuerpos más delgados, pechos grandes, cirugía estética, labios y pómulos prominente, piel morena y sin arrugas. Por ejemplo la actriz Pamela Anderson. 

  Pamela Anderson.

• Siglo XXI: cuerpos muy delgados, mucha cirugía estética, una belleza prácticamente insana. 

Y hasta aquí todo por hoy, nos vemos pronto, 

Silvia :)

REFERENCIAS

Martínez, L. (2019). Los ideales de belleza cambian: así ha visto el arte el cuerpo femenino a lo largo de la historia. Trendencias. https://www.trendencias.com/arte/ideales-belleza-cambian-asi-ha-visto-arte-cuerpo-femenino-a-largo-historia

Rivera, N. (2013). La evolución del canon de belleza femenino a través de los tiempos. Yorokobu. https://www.yorokobu.es/canon-de-belleza-femenino/

¡HOLAA!

Los libros de texto no motivan a los niños. El sistema educativo no se ha adaptado a los cambios de los últimos años, por lo que muchos niños pierden el interés por el aprendizaje. Por ello es necesario que los docentes pongan en marcha metodologías más innovadoras, como por ejemplo estrategias visuales, que facilitan el aprendizaje entre otros muchos beneficios. Además hay que tener en cuenta que un gran porcentaje de alumnos son visuales, pero siempre sin olvidarnos del resto. Aunque estas estrategias también podemos utilizarlas nosotros para facilitarnos el estudio. Algunas de estas ellas son:

1. El Art Thinking es una propuesta metodológica de María Acaso y Clara Megías que consiste en usar el arte en la educación para motivar a los alumnos en el aprendizaje y que tiene el objetivo de transformar el sistema educativo a través de las artes. No significa enseñar arte, sino utilizarlo para explicar otras disciplinas. Aunque según Acaso (2017), quitar el arte de la educación supone acabar con el pensamiento crítico y por tanto, tener estudiantes que no piensan por sí mismos y que creen todo lo que dicen los poderosos. El Art Thinking tiene 4 elementos claves:

• Motivación: el arte favorece la interpretación, el pensamiento crítico, la formulación de preguntas, etc.
• Placer: las experiencias artísticas generan un aprendizaje divertido y basado en el disfrute.
• Creadores de conocimiento: alumnos y profesores crean sus propias obras, así potencian su conocimiento, no se limitan a transmitir la información o memorizarla.
• Trabajo colaborativo: potencia el trabajo por proyectos, la empatía y la comunicación emocional.

2. El Visual Thinking es “una técnica metodológica que sirve para organizar y representar pensamientos por medio de dibujos” (Mosquera, 2018). Concretamente en educación es una forma de reflejar gráficamente conceptos a través del dibujo de forma que facilita el aprendizaje a los alumnos. Algunos de los beneficios de su aplicación en el aula son: visión global de la información, potencia la memoria, la atención y la concentración, papel activo del alumno, organización de ideas, desarrollo de la capacidad de síntesis, entre otros. 

Visual Thinking

es un método para contar historias que combina la narrativa tradicional, las emociones y la tecnología. Con emociones nos referimos a construir historias que conecten con el alumnado, relatos que les emociones. De esta forma, su aplicación en el aula aumenta la motivación, la creatividad, la escucha activa, las habilidades sociales, el desarrollo de la competencia digital y la competencia en comunicación lingüística, etc.

Visual Storytelling.

es “una serie de dibujos que constituyen un relato” (Ortiz, 2009). Comenzó a introducirse en las aulas en la década de los 80 gracias al boom del cómic durante la Transición Democrática Española. Sus ventajas didácticas son: favorece la comprensión lectora, desarrolla la expresión oral y escrita, facilita la concentración, trabaja la capacidad de síntesis, mejora la comprensión de la realidad social y cultural del entorno, etc. Con las app gratuitas son muy fáciles de realizar, un ejemplo de actividad propuesta para el alumnado del 1º ciclo de Primaria en la asignatura de Historia:

Cómic de elaboración propia con StoryboardThat.

• El tema principal se ubica en el centro.
• Los conceptos relacionados emanan del centro en forma de ramificaciones.
• Cada rama se desarrolla de forma independiente.
• Es jerárquico, las ideas del centro son más relevantes que las de los extremos.

Si quieres ver un ejemplo de mapa mental como actividad educativa pincha aquí.

Realmente me parecen herramientas con muchísimo juego, que pueden facilitar y mejorar el aprendizaje de los alumnos y, sobre todo, que les motivan porque se salen de los típicos libros de texto. Por ejemplo podemos abordar el tema de la Prehistoria con la elaboración de un vídeo que combine el Visual Thinking y el Stop-Motion, o crear una historia desde el punto de vista de un personaje ficticio que viviera en esa época haciendo uso del Visual Storytelling. 

Espero que os haya gustado y que lo pongáis en práctica,

Silvia :)

REFERENCIAS:

Aula Planeta. (2016). Seis ventajas de usar la narración digital o digital storytelling en clase. https://www.aulaplaneta.com/2016/04/15/recursos-tic/seis-ventajas-de-usar-la-narracion-digital-o-digital-storytelling-en-clase/

Castro, C. (2017). Art thinking, una microrrevolución para salvar la educación. El independiente. https://www.elindependiente.com/vida-sana/2017/09/09/art-thinking-una-microrrevolucion-para-salvar-la-educacion/

De Miguel, R. (2019). María Acaso: "Art Thinking entiende las artes como herramientas para darle la vuelta al sistema". Educación 3.0. https://www.educaciontrespuntocero.com/entrevistas/maria-acaso-art-thinking/#Que-es-Art-Thinking

Educación 3.0. (2019). Storytelling: el potencial educativo de contar historias. https://www.educaciontrespuntocero.com/noticias/storytelling-educacion-historias/

Family on. (s.f.). ¿Qué es el Art Thinking? https://www.familyon.es/que-es-el-art-thinking/

García, J. P. (2016). Mapas mentales: herramienta para mejorar el estudio. Educar y Jugar. https://www.educaryjugar.com/tecnicas-de-estudio/mapas-mentales/

Llorca, Á., i Guardia, F., Freire, H., Fernández de Castro, I., & Llorente, M.Á. (s.f.). Visual Thinking en educación. Grupo de aprendizaje colectivo. https://colectivoeducadores.wordpress.com/visual-thinking-en-educacion/

Mosquera, I. (2018). Visual Thinking: dibujando el aprendizaje. UNIR. https://www.unir.net/educacion/revista/visual-thinking-dibujando-el-aprendizaje/

Oré, L. (2008). Mapas mentales: herramienta para potenciar nuestra creatividad. Estrateus. https://www.orientacionandujar.es/wp-content/uploads/2013/07/MAPAS-MENTALES_HERRAMIENTAS-PARA-POTENCIAS-NUESTRA-CREATIVIDAD.pdf

Ortiz, J. (2009). El cómic como recurso didáctico en la Educación Primaria. Federación de Enseñanza de CC.OO. de Andalucía. https://www.feandalucia.ccoo.es/andalucia/docu/p5sd6232.pdf

Socialnautas. (2020). Mapa mental: qué es, para qué sirve, beneficios y herramientas. https://www.socialnautas.es/mapa-mental-e-innovacion/

¡BIENVENID@S DE NUEVO!

Fachada de la Bauhaus

La Bauhaus o “Staatliches Bauhaus” fue una escuela de artesanía, artes, diseño y arquitectura fundada en Weimar (Alemania) en 1919 por el arquitecto Walter Gropius, además de la primera escuela de diseño del siglo XX. Tal fue su trascendencia que se convirtió en un movimiento artístico a nivel internacional, y sentó las bases de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico. Fue el resultado de la unión de la Escuela de Bellas Artes con la escuela de Artes y Oficios.

Surgió en un contexto un tanto caótico (en pleno auge de los movimientos revolucionarios tras la Primera Guerra Mundial, industrialización europea, progreso tecnológico, producción en serie, etc.). Con esta escuela se pretendía unir la artesanía y el arte (porque para Gropius el arte estaba en la artesanía), y vincularlos con la realidad social. Tuvo tres etapas:

• Fundación (1919-1923): se establecieron los objetivos de la escuela (entre ellos, eliminar las diferencias entre artista y artesanos), primera exposición, experimentación, etc. 

• Proliferación (1923-1925): introducción de ideas del Neoplasticismo, creación de un nuevo estilo tipográfico, etc.

• Declive (1925-1933): traslado a Dessau, cambio de dirección (Hannes Meyer), etc. y la clausura de la escuela por la Gestapo. 

Esta escuela contó con varios profesores célebres, como Klee (desarrolló su propio método pedagógico para transmitir los principios de la “forma”, más tarde denominado “diseño”), Kandinsky (pintó cuadros de abstracción pura e hizo un gran aporte teórico al dibujo, la forma, el color…), Herbert Bayer (creador de la tipografía Architype Bayer) o Breuer (diseñador de la silla Wassily), entre otros.

Los alumnos de esta escuela primero tenían que realizar un curso llamado vorkus (durante seis meses). En él tenían clases de distintas disciplinas (teatro, danza, escultura, etc.) para así poder ir encaminando su futuro. Después pasaban a una enseñanza basada en talleres (durante 3 años) y, por último, hacían un curso de perfeccionamiento.

Espero que os haya servido,

Silvia :)

REFERENCIAS:

Alcalá, N. (s.f.). Bauhaus, la primera escuela de diseño del siglo XX. Cultier. http://www.cultier.es/bauhaus-la-primera-escuela-de-diseno-del-siglo-xx/Blog  

Haya. (2016). Bauhaus, el movimiento que revolucionó el diseño, la arquitectura y el arte. https://blog.haya.es/bauhaus-el-movimiento-que-revoluciono-el-diseno-la-arquitectura-y-el-arte/ 

Fundación Juan March. (2013). Paul Klee: maestro de la Bauhaus. https://www.march.es/arte/madrid/exposiciones/paul-klee/pedagogia-en-la-bauhaus.aspx#:~:text=Fue%20en%20la%20Bauhaus%2C%20con,a%20sus%20estudiantes%20los%20principios 

Glocal design magazine. (2016). Breve Historia de la Escuela Bauhaus. https://glocal.mx/breve-historia-de-la-escuela-bauhaus/ 

Old Skull. (s.f.). Fachada de la Bauhaus [fotografía]. https://www.oldskull.net/design/la-escuela-bauhaus/

 ¡¡HOLA A TOD@S!!

Uno de los temas que hemos trabajado en clase es el de las etapas gráfico-plástica de los niños, una de las curiosidades que me surgió en cuanto a este tema fue el uso que los niños hacen de los colores. Es decir, saber porque eligen un color y no otro para sus dibujos. 

He estado buscando información y resulta que al ver el dibujo de un niño podemos averiguar en cierto modo cuál es su carácter, sus sentimientos… Por ejemplo, los colores pasteles se relacionan con sentimientos más tranquilos, mientras que los colores fuertes se asocian a los sentimientos intensos. 

Aunque hay que recordar que el análisis de los dibujos de los niños no puede quedar solo en la observación de los colores, sino que también hay que tener en cuenta la edad, la posición y tamaño del dibujo, la presión con la que pinta, si dibuja sin salirse de los bordes o no, etc. 

A continuación muestro una tabla resumen con el significado que puede tener el uso de cada color:

¡¡HOLA A TOD@S!!

En la primera clase práctica de la asignatura hemos estado trabajando con la técnica “dibujar sin mirar”. A continuación os cuento en qué consiste y cómo lo hemos hecho. 

Esta técnica consiste en dibujar algún objeto, persona o cosa sin mirar el papel. Como primera impresión puede parecer absurdo dibujar sin mirar lo que estamos dibujando puesto que, la mayoría de las veces cuando dibujamos es para obtener un elaborado producto final. Pero con esta técnica no buscamos un dibujo bonito, sino mejorar nuestra habilidad en el dibujo. Curiosamente con esta técnica entrenas a tu ojo y a tu mano para que ambos trabajen a la par: mientras tu ojo sigue el contorno de lo que ves, tu mano lo va trazando (Domestika, 2019). Por ello, dedicar unos pocos minutos al día a esta actividad puede marcar la diferencia en nuestra habilidad con el dibujo. 

Para nuestra práctica, primero hemos visualizado un vídeo explicativo de la técnica y, seguidamente, hemos procedido a dibujar el perfil, primero el de nuestra propia mano en varias posiciones, y después el de un compañero. Pero un perfil con el máximo número de detalles posibles y sin levantar el lápiz del papel (para que no se moviera inmovilizamos el folio en la mesa con cinta de carrocero). En mi caso, los dibujos resultantes son un tanto peculiar y curiosos:

Perfil de mi mano

Perfil de mi mano

Perfil de una compañera

Con lupa y pincel. (2014). Dibujar sin mirar (Retos de dibujo). Blogger. http://www.conlupaypincel.com/2014/12/dibujar-sin-mirar-retos-de-dibujo.html

Domestika. (2019). Técnicas de dibujo para despertar la creatividad. https://www.domestika.org/es/blog/2128-tecnicas-de-dibujo-para-despertar-la-creatividad