¡HOLA DE NUEVO!

Hace algunos días vimos en clase el concepto de canon artístico como introducción al tema de la representación del cuerpo humano y, al ver distintos modelos de cánones artísticos, me surgió la curiosidad de conocer la evolución del canon de belleza femenino. 

Creo que la evolución del canon de belleza o del canon artístico podría ser un contenido muy interesante para trabajar en el aula con los niños de primaria por dos razones: por un lado, para intentar que cada alumno encuentre su propio estilo para dibujar la figura humana y no considere que hay una única forma correcta y, por otro lado, para trabajar la autoestima de los niños enseñándoles que los cánones y estereotipos de belleza cambian continuamente y que esas “modas” no tiene que afectarles. 

Por ello, he recopilado información sobre la evolución del canon de belleza femenino a lo largo de la historia. Los muestro a continuación en orden cronológico:

• Prehistoria: caderas anchas y senos grandes porque se asociaban a la fertilidad y a la capacidad de tener hijos sanos.

  Venus de Willendorf.

• Canon egipcio: maquillaje y joyas.

  Canon de belleza egipcio.

• Canon griego: cuerpos con cierto volumen, simetría perfecta y armonía de proporciones. 

  Canon de belleza griego.

• Renacimiento: cuerpos redondeados, manos y pies finos, pechos pequeños, cabello rubio y largo, labios rojos, ojos grandes y piel blanca.

  El nacimiento de Venus, Bottceli.

• Barroco: cuerpos más rellenos, caderas anchas y cintura estrecha, pechos grandes, piel blanca, pelucas y maquillaje. 

  Las tres gracias, Rubbens.

• Romanticismo: cuello largos, escotes prominentes, mientras que la cintura y la cadera queda en segundo plano.
• Siglo XIX: cintura muy estrecha, pechos y caderas realzadas, y uso de corsés. 
• Principios siglo XX: pechos altos, caderas anchas y nalgas grandes. El canon de belleza lo marca el dibujante Charles Gibson. 

  Las chicas Gibson, Charles Gibson.

• Años 30-40: caderas anchas, físicos impactantes de Hollywood. Por ejemplo la actriz Elizabeth Taylor. 

  Elizabeth Taylor.

• Años 50-60: curvas marcadas, piernas largas, pelo rubio, pero también cuerpos pequeños y delgados. Por ejemplo la actriz Sara Montiel.

  Sara Montiel.

• Años 70-80: cuerpos delgados y estilizados, pechos grandes, comienzan a usarse los bikinis. Por ejemplo la actriz Ursula Andress. 

  Ursula Andress.

• Años 90: cuerpos más delgados, pechos grandes, cirugía estética, labios y pómulos prominente, piel morena y sin arrugas. Por ejemplo la actriz Pamela Anderson. 

  Pamela Anderson.

• Siglo XXI: cuerpos muy delgados, mucha cirugía estética, una belleza prácticamente insana. 

Y hasta aquí todo por hoy, nos vemos pronto, 

Silvia :)

REFERENCIAS

Martínez, L. (2019). Los ideales de belleza cambian: así ha visto el arte el cuerpo femenino a lo largo de la historia. Trendencias. https://www.trendencias.com/arte/ideales-belleza-cambian-asi-ha-visto-arte-cuerpo-femenino-a-largo-historia

Rivera, N. (2013). La evolución del canon de belleza femenino a través de los tiempos. Yorokobu. https://www.yorokobu.es/canon-de-belleza-femenino/

¿QUÉ TAL?

La siguiente tarea consiste en realizar una línea de tiempo sobre uno de los artistas del estudio biográfico utilizando una aplicación web gratuita de infografías. En mi caso, he elegido a Jean Michel Basquiat y como aplicación he utilizado Canva. 

La línea de tiempo debe incluir 10 obras del artista (entre ellas una de sus primeras y una de sus últimas obras) que reflejen la trayectoria artística del mismo. Además hay que incluir los datos del artista (nombre, lugar de nacimiento, etc.) y un texto explicativo de cada una de las obras para ayudar a entender la evolución del autor. 

El proceso de elaboración de esta tarea ha sido el siguiente:

1. Revisión del estudio biográfico de Basquiat.
2. Búsqueda de las primeras y últimas obras del artista.
3. Selección del resto de obras artísticas.
4. Documentación sobre las obras seleccionadas.
5. Búsqueda y selección de la aplicación web gratuita de infografías.
6. Adaptar una plantilla de Canva a la realización de la línea de tiempo.
7. Agregar las imágenes y la información sobre el artista.
8. Incorporar el texto descriptivo de cada una de las obras de arte.
9. Revisión final de la línea de tiempo.

A continuación se muestra la línea de Basquiat, pero si queréis más información sobre este artista podéis visitar mi post sobre él pinchando aquí.

LÍNEA DE TIEMPO

Infografía sobre Basquiat.

Esta tarea me ha ayudado a sintetizar toda la información que había aprendido sobre Basquiat y a resumir las etapas de su producción artística. Además he aprendido a utilizar la aplicación Canva para hacer infografías, aunque ya la había utilizado anteriormente para hacer presentaciones. 

Las líneas de tiempo me parecen una herramienta muy útil para nosotros como estudiantes, pero también podemos aplicarla con nuestros alumnos en un futuro puesto que al ser un recurso tan visual puede ayudarlos a entender ciertos conceptos de forma más sencilla, sobre todo en la asignatura de Historia. Aunque ciertamente es una herramienta que requiere de bastante tiempo para su creación, como he podido comprobar con esta tarea. 

Espero que os haya gustado, 

Silvia :)

REFERENCIAS:

Arenas, Q. (2018). La mayoría de los reyes jóvenes son decapitados: Jean- Michel Basquiat y El Club de los 27. The Cultural Magazine. http://thecultural.es/2018/01/11/la-mayoria-de-los-reyes-jovenes-son-decapitados-jean-michel-basquiat-y-el-club-de-los-27/

Artsper Magazine. (s.f.). Analysing a great masterpiece of contemporary art: EROICA, Jean-Michel Basquiat. https://blog.artsper.com/en/a-closer-look/an-analysis-of-a-great-masterpiece-of-contemporary-art-eroica-jean-michel-basquiat/

Basquiat, J. M. (1981). Bird on Money [Cuadro]. https://www.wikiart.org/en/jean-michel-basquiat/bird-on-money

Basquiat, J. M. (1981). Skull [Cuadro]. https://www.wikiart.org/en/jean-michel-basquiat/head

Basquiat, J. M. (1982). St. Joe Louis Surrounded Snake [Cuadro]. https://www.wikiart.org/en/jean-michel-basquiat/st-joe-louis-surrounded-snake

Basquiat, J. M. (1982). Untitled [Cuadro]. https://www.wikiart.org/en/jean-michel-basquiat/untitled-0

Basquiat, J. M. (1983). Hollywood Africans [Cuadro]. https://www.wikiart.org/en/jean-michel-basquiat/hollywood-africans

Basquiat, J. M. (1984). Created Equal [Cuadro]. https://www.wikiart.org/en/jean-michel-basquiat/created-equal-1984

Basquiat, J. M. (1985). Now’s the time [Cuadro]. https://www.wikiart.org/en/jean-michel-basquiat/now-s-the-time

Basquiat, J. M. (1986). Self Portrait [Cuadro]. https://www.wikiart.org/en/jean-michel-basquiat/self-portrait-1986

Basquiat, J. M. (1987). Eroica [Cuadro]. https://www.wikiart.org/en/jean-michel-basquiat/eroica

Basquiat, J. M. (1988). Riding with Death [Cuadro]. https://www.wikiart.org/en/jean-michel-basquiat/riding-with-death

Deitch, J. (2015). “Jean-Michel Basquiat: Now’s the Time”. Artforum. https://www.artforum.com/print/previews/201501/jean-michel-basquiat-now-s-the-time-49464

Jean Michel Basquiat. (s. f.). [Fotografía]. https://theknockturnal.com

Jean-Michel Basquiat. (s.f.). Created Equal. http://www.jean-michel-basquiat.org/created-equal/

Jean-Michel Basquiat. (s.f.). Hollywood Africans. http://www.jean-michel-basquiat.org/hollywood-africans/

MACBA. (s.f.). Self-Portrait, 1986. https://www.macba.cat/es/arte-artistas/artistas/basquiat-jean-michel/self-portrait

Obrecht, C., & Obrecht, M. (s. f.). Canva. https://www.canva.com/

Pérez, S. (2017). El hombre que convirtió al humano en animal y bestia: Jean-Michel Basquiat. VICE. https://www.vice.com/es/article/59d4mz/creators-el-hombre-que-convirtio-al-humano-en-animal-y-bestia-jean-michel-basquiat

¡HOLAA!

Los libros de texto no motivan a los niños. El sistema educativo no se ha adaptado a los cambios de los últimos años, por lo que muchos niños pierden el interés por el aprendizaje. Por ello es necesario que los docentes pongan en marcha metodologías más innovadoras, como por ejemplo estrategias visuales, que facilitan el aprendizaje entre otros muchos beneficios. Además hay que tener en cuenta que un gran porcentaje de alumnos son visuales, pero siempre sin olvidarnos del resto. Aunque estas estrategias también podemos utilizarlas nosotros para facilitarnos el estudio. Algunas de estas ellas son:

1. El Art Thinking es una propuesta metodológica de María Acaso y Clara Megías que consiste en usar el arte en la educación para motivar a los alumnos en el aprendizaje y que tiene el objetivo de transformar el sistema educativo a través de las artes. No significa enseñar arte, sino utilizarlo para explicar otras disciplinas. Aunque según Acaso (2017), quitar el arte de la educación supone acabar con el pensamiento crítico y por tanto, tener estudiantes que no piensan por sí mismos y que creen todo lo que dicen los poderosos. El Art Thinking tiene 4 elementos claves:

• Motivación: el arte favorece la interpretación, el pensamiento crítico, la formulación de preguntas, etc.
• Placer: las experiencias artísticas generan un aprendizaje divertido y basado en el disfrute.
• Creadores de conocimiento: alumnos y profesores crean sus propias obras, así potencian su conocimiento, no se limitan a transmitir la información o memorizarla.
• Trabajo colaborativo: potencia el trabajo por proyectos, la empatía y la comunicación emocional.

2. El Visual Thinking es “una técnica metodológica que sirve para organizar y representar pensamientos por medio de dibujos” (Mosquera, 2018). Concretamente en educación es una forma de reflejar gráficamente conceptos a través del dibujo de forma que facilita el aprendizaje a los alumnos. Algunos de los beneficios de su aplicación en el aula son: visión global de la información, potencia la memoria, la atención y la concentración, papel activo del alumno, organización de ideas, desarrollo de la capacidad de síntesis, entre otros. 

Visual Thinking

es un método para contar historias que combina la narrativa tradicional, las emociones y la tecnología. Con emociones nos referimos a construir historias que conecten con el alumnado, relatos que les emociones. De esta forma, su aplicación en el aula aumenta la motivación, la creatividad, la escucha activa, las habilidades sociales, el desarrollo de la competencia digital y la competencia en comunicación lingüística, etc.

Visual Storytelling.

es “una serie de dibujos que constituyen un relato” (Ortiz, 2009). Comenzó a introducirse en las aulas en la década de los 80 gracias al boom del cómic durante la Transición Democrática Española. Sus ventajas didácticas son: favorece la comprensión lectora, desarrolla la expresión oral y escrita, facilita la concentración, trabaja la capacidad de síntesis, mejora la comprensión de la realidad social y cultural del entorno, etc. Con las app gratuitas son muy fáciles de realizar, un ejemplo de actividad propuesta para el alumnado del 1º ciclo de Primaria en la asignatura de Historia:

Cómic de elaboración propia con StoryboardThat.

• El tema principal se ubica en el centro.
• Los conceptos relacionados emanan del centro en forma de ramificaciones.
• Cada rama se desarrolla de forma independiente.
• Es jerárquico, las ideas del centro son más relevantes que las de los extremos.

Si quieres ver un ejemplo de mapa mental como actividad educativa pincha aquí.

Realmente me parecen herramientas con muchísimo juego, que pueden facilitar y mejorar el aprendizaje de los alumnos y, sobre todo, que les motivan porque se salen de los típicos libros de texto. Por ejemplo podemos abordar el tema de la Prehistoria con la elaboración de un vídeo que combine el Visual Thinking y el Stop-Motion, o crear una historia desde el punto de vista de un personaje ficticio que viviera en esa época haciendo uso del Visual Storytelling. 

Espero que os haya gustado y que lo pongáis en práctica,

Silvia :)

REFERENCIAS:

Aula Planeta. (2016). Seis ventajas de usar la narración digital o digital storytelling en clase. https://www.aulaplaneta.com/2016/04/15/recursos-tic/seis-ventajas-de-usar-la-narracion-digital-o-digital-storytelling-en-clase/

Castro, C. (2017). Art thinking, una microrrevolución para salvar la educación. El independiente. https://www.elindependiente.com/vida-sana/2017/09/09/art-thinking-una-microrrevolucion-para-salvar-la-educacion/

De Miguel, R. (2019). María Acaso: "Art Thinking entiende las artes como herramientas para darle la vuelta al sistema". Educación 3.0. https://www.educaciontrespuntocero.com/entrevistas/maria-acaso-art-thinking/#Que-es-Art-Thinking

Educación 3.0. (2019). Storytelling: el potencial educativo de contar historias. https://www.educaciontrespuntocero.com/noticias/storytelling-educacion-historias/

Family on. (s.f.). ¿Qué es el Art Thinking? https://www.familyon.es/que-es-el-art-thinking/

García, J. P. (2016). Mapas mentales: herramienta para mejorar el estudio. Educar y Jugar. https://www.educaryjugar.com/tecnicas-de-estudio/mapas-mentales/

Llorca, Á., i Guardia, F., Freire, H., Fernández de Castro, I., & Llorente, M.Á. (s.f.). Visual Thinking en educación. Grupo de aprendizaje colectivo. https://colectivoeducadores.wordpress.com/visual-thinking-en-educacion/

Mosquera, I. (2018). Visual Thinking: dibujando el aprendizaje. UNIR. https://www.unir.net/educacion/revista/visual-thinking-dibujando-el-aprendizaje/

Oré, L. (2008). Mapas mentales: herramienta para potenciar nuestra creatividad. Estrateus. https://www.orientacionandujar.es/wp-content/uploads/2013/07/MAPAS-MENTALES_HERRAMIENTAS-PARA-POTENCIAS-NUESTRA-CREATIVIDAD.pdf

Ortiz, J. (2009). El cómic como recurso didáctico en la Educación Primaria. Federación de Enseñanza de CC.OO. de Andalucía. https://www.feandalucia.ccoo.es/andalucia/docu/p5sd6232.pdf

Socialnautas. (2020). Mapa mental: qué es, para qué sirve, beneficios y herramientas. https://www.socialnautas.es/mapa-mental-e-innovacion/

¡HOLA DE NUEVO!

La tarea que se muestra a continuación consiste en realizar seis composiciones cromáticas utilizando una obra de arte de uno de los dos artistas de la tarea del estudio biográfico. El objetivo de la tarea es conocer el ajuste de color en la aplicación Photoshop, por lo que las composiciones serán realizadas con este programa. En este caso la obra utilizada se titula “A bigger splash” de Malika Favre:

A bigger splash

Las composiciones cromáticas realizadas son: la armonía monocromática, los colores complementarios, la tríada equidistante, la armonía de dobles complementarios, la armonía de análogos y la armonía de complementarios divididos. Junto a cada una de ellas se indican las sensaciones que particularmente me producen.

ARMONÍA MONOCROMÁTICA

Esta composición me transmite mucha feminidad a la vez que me produce sensación de tranquilidad y elegancia. De todas, es mi favorita, posiblemente por la homogeneidad del color, lo cual me transmite mucha paz.

Círculo: armonía monocromática

Composición: armonía monocromática

COLORES COMPLEMENTARIOS

Los colores tan llamativos de esta composición me transmiten mucha energía y positividad, da la sensación de tener mucha más vitalidad que la anterior. Es una imagen con mucha frescura. 

Círculo: colores complementarios

Composición: colores complementarios

TRÍADA EQUIDISTANTE

Esta imagen me transmite impulsividad, pero también incomodidad o incluso negatividad. Es la que menos me ha gustado de todas las composiciones y la que más oscuridad me transmite.

Círculo: tríada equidistante

Composición: tríada equidistante

ARMONÍA DE DOBLES COMPLEMENTARIOS

Esta composición me transmite sensación de agresividad y me parece una imagen muy intensa. Me produce incomodidad la mezcla de estos colores, nunca me ha gustado mezclar el rojo con el rosa. 

Círculo: dobles complementarios

Composición: dobles complementarios

ARMONÍA DE ANÁLOGOS

Esta imagen tiene mucha energía, alegría y positividad. Es una imagen con mucha vida. Me produce sensación de calor y de comodidad, incluso me recuerda al verano. Al igual que la monocromática, esta composición también me ha gustado especialmente.

Círculo: armonía de análogos

Composición: armonía de análogos

ARMONÍA DE COMPLEMENTARIOS DIVIDIDOS

Me transmite perfeccionismo y calma, también me da cierta sensación de confianza. Para mi gusto, los colores casan muy bien y eso me produce tranquilidad y sensación de orden. 

Círculo: complementarios divididos

Composición: complementarios divididos

¿Qué os ha parecido la tarea? Personalmente Photoshop es una herramienta que me gusta mucho utilizar, más que las tareas manuales, puesto que me entiendo mejor con lo digital, además me entretiene mucho y me parece útil para nuestro futuro profesional, por ejemplo para crear algunos materiales didácticos. 

La realización de algunas composiciones me ha resultado más compleja que otras, puesto que me ha costado conseguir tonalidades parecidas a las que había elegido en el círculo cromático, sobre todo los dobles complementarios y la tríada equidistante. 

Pero la tarea me ha ayudado a entender las armonías cromáticas, las cuales explicadas teóricamente no entendí muy bien. También me ha servido para practicar en cierta medida el análisis connotativo de una obra de arte. 

Nos vemos pronto,

Silvia :)

REFERENCIAS:

Favre, M. (s.f.). A bigger splash [Ilustración]. https://www.malikafavre.com/a-bigger-splash

¡BIENVENID@S DE NUEVO!

Fachada de la Bauhaus

La Bauhaus o “Staatliches Bauhaus” fue una escuela de artesanía, artes, diseño y arquitectura fundada en Weimar (Alemania) en 1919 por el arquitecto Walter Gropius, además de la primera escuela de diseño del siglo XX. Tal fue su trascendencia que se convirtió en un movimiento artístico a nivel internacional, y sentó las bases de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico. Fue el resultado de la unión de la Escuela de Bellas Artes con la escuela de Artes y Oficios.

Surgió en un contexto un tanto caótico (en pleno auge de los movimientos revolucionarios tras la Primera Guerra Mundial, industrialización europea, progreso tecnológico, producción en serie, etc.). Con esta escuela se pretendía unir la artesanía y el arte (porque para Gropius el arte estaba en la artesanía), y vincularlos con la realidad social. Tuvo tres etapas:

• Fundación (1919-1923): se establecieron los objetivos de la escuela (entre ellos, eliminar las diferencias entre artista y artesanos), primera exposición, experimentación, etc. 

• Proliferación (1923-1925): introducción de ideas del Neoplasticismo, creación de un nuevo estilo tipográfico, etc.

• Declive (1925-1933): traslado a Dessau, cambio de dirección (Hannes Meyer), etc. y la clausura de la escuela por la Gestapo. 

Esta escuela contó con varios profesores célebres, como Klee (desarrolló su propio método pedagógico para transmitir los principios de la “forma”, más tarde denominado “diseño”), Kandinsky (pintó cuadros de abstracción pura e hizo un gran aporte teórico al dibujo, la forma, el color…), Herbert Bayer (creador de la tipografía Architype Bayer) o Breuer (diseñador de la silla Wassily), entre otros.

Los alumnos de esta escuela primero tenían que realizar un curso llamado vorkus (durante seis meses). En él tenían clases de distintas disciplinas (teatro, danza, escultura, etc.) para así poder ir encaminando su futuro. Después pasaban a una enseñanza basada en talleres (durante 3 años) y, por último, hacían un curso de perfeccionamiento.

Espero que os haya servido,

Silvia :)

REFERENCIAS:

Alcalá, N. (s.f.). Bauhaus, la primera escuela de diseño del siglo XX. Cultier. http://www.cultier.es/bauhaus-la-primera-escuela-de-diseno-del-siglo-xx/Blog  

Haya. (2016). Bauhaus, el movimiento que revolucionó el diseño, la arquitectura y el arte. https://blog.haya.es/bauhaus-el-movimiento-que-revoluciono-el-diseno-la-arquitectura-y-el-arte/ 

Fundación Juan March. (2013). Paul Klee: maestro de la Bauhaus. https://www.march.es/arte/madrid/exposiciones/paul-klee/pedagogia-en-la-bauhaus.aspx#:~:text=Fue%20en%20la%20Bauhaus%2C%20con,a%20sus%20estudiantes%20los%20principios 

Glocal design magazine. (2016). Breve Historia de la Escuela Bauhaus. https://glocal.mx/breve-historia-de-la-escuela-bauhaus/ 

Old Skull. (s.f.). Fachada de la Bauhaus [fotografía]. https://www.oldskull.net/design/la-escuela-bauhaus/

 ¡¡HOLA A TOD@S!!

Uno de los temas que hemos trabajado en clase es el de las etapas gráfico-plástica de los niños, una de las curiosidades que me surgió en cuanto a este tema fue el uso que los niños hacen de los colores. Es decir, saber porque eligen un color y no otro para sus dibujos. 

He estado buscando información y resulta que al ver el dibujo de un niño podemos averiguar en cierto modo cuál es su carácter, sus sentimientos… Por ejemplo, los colores pasteles se relacionan con sentimientos más tranquilos, mientras que los colores fuertes se asocian a los sentimientos intensos. 

Aunque hay que recordar que el análisis de los dibujos de los niños no puede quedar solo en la observación de los colores, sino que también hay que tener en cuenta la edad, la posición y tamaño del dibujo, la presión con la que pinta, si dibuja sin salirse de los bordes o no, etc. 

A continuación muestro una tabla resumen con el significado que puede tener el uso de cada color:

¡BUENAS!